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À propos de RBC > Collectivités et durabilité > Collectivité > Artistes émergents > Concours de peinture

Concours de peintures canadiennes RBC

Créé en 1999, le Concours de peintures canadiennes de RBC, avec le soutien de la Canadian Art Foundation, est un programme unique en son genre qui vise à appuyer de jeunes artistes prometteurs en début de carrière, soit à une période pendant laquelle ils ont besoin à la fois de reconnaissance et de soutien financier.

Un jury régional composé de personnes hautement reconnues dans le monde des arts choisit cinq œuvres de sa propre région. Ces régions sont l’Est (Québec, Nouvelle-Écosse, Nouveau-Brunswick, Île-du-Prince-Édouard, Terre-Neuve et Labrador), le Centre (Ontario) et l’Ouest (Manitoba, Saskatchewan, Alberta, Colombie-Britannique, Yukon, Nunavut, Territoires du Nord-Ouest).

Les trois jurys régionaux sélectionnent ensuite un lauréat national, ainsi que deux gagnants d’une mention honorable parmi les quinze demi-finalistes. Le lauréat national recevra un prix de 25 000 $. Les deux gagnants d’une mention honorable recevront chacun 15 000 $.

 

Finalistes du Concours de peintures canadiennes de RBC 2014

Félicitations aux finalistes du Concours de peintures canadiennes de RBC 2014. Les noms du lauréat et des deux gagnants d’une mention honorable seront annoncés au Musée des beaux-arts de Montréal le mercredi 1er octobre 2014. Le lauréat et les gagnants d'une mention honorable recevront respectivement un prix de 25 000 $ et de 15 000 $.

Nous remercions tous les artistes qui ont soumis une œuvre de la passion, de l'engagement et de la créativité dont ils ont fait preuve. Nous vous invitons à participer au Concours de peintures canadiennes de RBC 2015. Les détails seront communiqués en février 2015.

 

Voir les finalistes et les anciens lauréats :

Lauréats de 2013

Finalistes du Concours de peintures canadiennes de RBC 2014

Ashleigh Bartlett
Calgary (Alberta)
Ballet Duo, 2014
Huile et acrylique sur toile
157 cm x 173 cm (62 po x 68 po)


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Ashleigh Bartlett

Lauréats de 2013

Lauréat national

Colleen Heslin
Vancouver (C.-B.)
Young and Wild and Free, 2013
Acrylique, encre de Chine et teinture
sur coton
183 cm x 122 cm
(72 po x 48 po)


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Colleen Heslin

Lauréats de 2012

Lauréat national

Vanessa Maltese
Balaclava
Huile sur panneau
23 po x 18 po


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Vanessa Maltese

Vous êtes sur : Lauréats de 2011

Lauréat national

Rebecca Brewer

Beuys painting
Huile sur toile
42 po x 47 po


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Rebecca Brewer

Vous êtes sur : Lauréats de 2010

Lauréat national

Alexis Lavoie

Restants
Huile sur toile
66 po x 72 po


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Alexis Lavoie

Vous êtes sur : Lauréats de 2009

Lauréat national

Brenda Draney

Aim is Important
Huile sur toile
48 po x 52 po


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Brenda Draney
 
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of
Betino Assa

Biographie de l'artiste

La peinture de Betino Assa intitulée Gathering in the forest 12 am fait partie d'une série d'œuvres présentant des trames narratives ambiguës situées dans un contexte riche en détails. Ses univers oniriques combinent la nature à des éléments artificiels incongrus, comme des meubles ou des pièces de machinerie industrielle. Dessinateur accompli, l'artiste utilise une technique inusitée selon laquelle il peint sur le verso d'une feuille de plexiglas qui a d'abord été gravée.

« Je suis attiré par le mystère de l'inconnu, par les profondeurs de la faune et de la flore auxquelles l'être humain n'a jamais accédé, écrit Assa à propos de son œuvre. Les scènes que j'invente illustrent des rassemblements de personnes et d'animaux, ainsi que d'autres formes de vie ou créatures anthropomorphiques, superposés sur un paysage classique. »

Assa est né en Bulgarie et vit actuellement à Montréal, où il poursuit une maîtrise en beaux-arts (MFA) à l'Université Concordia. Il est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts (BFA) avec distinction de l'Université du Manitoba et a été lauréat du concours 1res Œuvres! de BMO en 2009.

 

Betino Assa

Montréal, QC
Gathering in the forest, 12 am
Acrylique sur plexiglas gravé
32 po x 49 po
Décembre 2011

 
Ahbyah Baker

Biographie de l'artiste

Par un procédé de dégoulinade de peinture et de couches superposées, Ahbyah Baker crée des formes vaguement géométriques, presque monochromes, qui flottent sur un arrière-plan simple. Sa combinaison de marques directes et indirectes, de formes géométriques imparfaites à l'aspect presque organique et d'une utilisation très restreinte de la couleur crée une tension fascinante. L'utilisation de la gouache, qui sert habituellement à préparer une surface avant d'y appliquer de la peinture, confère également un certain caractère indéterminé à l'œuvre. Son objectif, écrit-elle, est d'éviter les associations métaphoriques et « d'évoquer visuellement une idée romantique du temps et de l'espace, tout en abordant des concepts liés au littéralisme matériel. »

Ahbyah Baker vit et travaille à Vancouver, où elle a obtenu un BFA de la Emily Carr University of Art and Design.

 

Ahbyah Baker

Vancouver, BC
Dripshape25
Gouache sur panneau de bois
16 po x 16 po
Janvier 2012

 
Thomas Chisholm

Biographie de l'artiste

L'œuvre de Thomas Chisholm découle de ses recherches incessantes sur les effets de perception créés par un espace peint et la façon dont ce dernier interagit avec son environnement physique. Dans Interference 1, œuvre d'émail sur aluminium, il se sert de peinture en aérosol industrielle normalement utilisée dans le secteur automobile, ce qui permet d'obtenir une surface lisse et réfléchissante qui met en évidence les petites imperfections. Le contraste élevé entre l'œuvre et ce qui l'entoure empêche l'observateur de déchiffrer l'espace et joue avec ses attentes. Derrière ce qui semble d'abord être une forme géométrique toute noire se révèle une construction beaucoup plus complexe, élaborée à partir de couches transparentes de bleu et de rouge.

« L'effet de palpitation ou de débordement créé par la forme dans l'espace modifie la compréhension initiale de l'œuvre, soit une couleur unie, et pousse l'observateur à poser un regard neuf sur l'œuvre. »

Thomas Chisholm est titulaire d'un BFA de l'Université NSCAD et d'une MFA de l'Université de Victoria. Il était finaliste au Concours de peintures canadiennes de RBC en 2011.

 

Thomas Chisholm

Victoria, BC
Interference 1
Émail sur aluminium
36 po x 36 po
Février 2012

 
Philip Delisle

Biographie de l'artiste

Les peintures de Philip Delisle figurent des perspectives impossibles, créées en fusionnant différents points de vue d'un seul lieu. En illustrant ses propres toiles et en les situant dans un contexte courant, comme un studio ou une galerie, il crée une sorte de boucle autoréférentielle qui met l'accent sur l'action de peindre et sur la représentation spatiale.

« Je suis motivé par un désir d'explorer ce que signifie peindre et de comprendre ce que je fais en tant qu'artiste. Cela m'a poussé à réfléchir sur les lieux où l'art est conçu et exposé. Je n'utilise pas la peinture pour communiquer mes idées à propos de ces lieux, mais plutôt pour découvrir ma propre compréhension de ceux-ci. »

Delisle est titulaire d'un BFA de l'Université de Waterloo et d'une MFA de l'Université NSCAD. Lauréat 2012 du prix Joseph Plaskett, il est représenté par la Gallery Page and Strange.

 

Philip Delisle

Halifax, NS
NSCAD MFA Studio
Acrylique sur toile
65 po x 72 po
Janvier 2012

 
Colin Muir Dorward

Biographie de l'artiste

Travaillant exclusivement à partir de son environnement immédiat, Colin Muir Dorward emploie ce qu'il appelle une « méthodologie de renégociation de la peinture d'observation ». Par la manipulation d'illusions de perception, il attire l'attention sur le rôle que joue l'observateur pour compléter la composition et illustre ce qu'il nomme des « durées d'expériences vécues ». Les multiples points de vue d'un espace intérieur, comprenant des représentations discontinues de ce qui pourrait être le corps de l'artiste, sont au cœur de Grievance Calculator, dont la complexité de la composition spatiale attire le regard de l'observateur, tout en empêchant toute lecture unique de l'intérieur ou des objets représentés. Par exemple, la table, qui semble pencher vers le haut, unit les deux moitiés de la peinture, mais couvre aussi de manière sournoise le passage d'un espace à l'autre.

Colin Muir Dorward est titulaire d'un BFA du Emily Carr Institute de Vancouver et poursuit actuellement une MFA à l'Université d'Ottawa.

 

Colin Muir Dorward

Ottawa, ON
Grievance Calculator
Huile sur toile
71 po x 64 po
Avril 2012

 
Jordy Hamilton

Biographie de l'artiste

Jordy Hamilton est constamment à la recherche de nouvelles stratégies de développement de la peinture, qui n'est qu'un aspect de sa pratique artistique diversifiée. Dans la série Painting Painting, les œuvres émergent de sources existantes. Les peintures peuvent être élaborées à partir d'un monotype, du verso d'une peinture ratée ou des effets laissés par les traces du travail lié à une autre œuvre. Ces sources sont plus ou moins développées jusqu'à ce que des éléments intéressants s'en dégagent, qu'il s'agisse d'un personnage, d'un trope ou d'un champ. « Mon objectif est de peindre à partir de zéro ou de laisser les choses émerger. Ces peintures portent autant sur le processus de travail, le hasard et la reconstitution que sur le langage de la création d'images. »

Hamilton est titulaire d'un BFA et d'une mineure en littérature anglaise obtenus à l'Université de la Colombie-Britannique et à la Emily Carr University of Art and Design, ainsi que d'une MFA de l'Université de la Colombie-Britannique. En 2012, il était finaliste à la première édition du prix de la Contemporary Art Society of Vancouver octroyé aux artistes émergents.

 

Jordy Hamilton

Vancouver, BC
Painting Painting 49 Hat to Block the Sun
Huile et acrylique sur lin
60 po x 48 po
Octobre 2011

 
Aleksander Hardashnakov

Biographie de l'artiste

Passionné par la découverte de nouvelles façons de faire de la peinture, Hardashnakov met un vaste éventail de techniques au profit de sa pratique artistique, et son expérimentation constante génère des œuvres abstraites disparates dans leur forme. Untitled 23 string piece 2 intègre une approche de la peinture qui met l'accent sur sa nature d'objet, privilégiant la matérialité et la forme plutôt que l'application de peinture. Les cordes qui semblent avoir poussé sur sa surface monochrome créent un relief et pendent sur la toile, ce qui entraîne également un élément de hasard, puisque la peinture peut se transformer lorsqu'on la déplace.

« Par un travail constant et rigoureux de même qu'une expérimentation ludique, j'ai découvert des méthodes originales de créer des peintures. Ces méthodes engendrent à leur tour d'autres possibilités, ce qui entraîne une chaîne de procédés qui semble infinie. »

L'œuvre d'Aleksander Hardashnakov a récemment fait partie de l'exposition collective Trans/FORM du Musée d'art contemporain canadien. Il est représenté par la Clint Roenisch Gallery et est cofondateur de la Tomorrow Gallery de Toronto.

 

Aleksander Hardashnakov

Toronto, ON
untitled 23 string piece 2
Corde et émail sur toile
48 po x 36 po
Janvier 2012

 
David Hucal

Biographie de l'artiste

David Hucal considère essentiellement ses peintures comme des œuvres de fiction et s'intéresse à l'idée d'une « trace » de réel. Ses compositions viennent de l'observation d'objets dans son environnement immédiat et de leur translation effectuée au moyen d'un procédé de marque indépendant.

« Les peintures changent et sont éclairées par leur propre conception en cours de travail, écrit Hucal. Les relations entre la clarté et l'obscurité, la fiction et la réalité, l'espace et le non-espace, le matériel et l'immatériel sont explorées de sorte qu'une décision entraîne la suivante. Ce processus ne nécessite pas un aboutissement clair ; il s'agit plutôt d'une recherche portant à la fois sur le hasard et sur la finalité. »

David Hucal est titulaire d'un BFA de la Emily Carr Institute of Art and Design de Vancouver et a récemment obtenu son diplôme de MFA à l'Université de Guelph.

 

David Hucal

Guelph, ON
Untitled
Huile sur toile
36 po x 35 po
Janvier 2012

 
Andrea Kastner

Biographie de l'artiste

L'œuvre Demolition d'Andrea Kastner montre à la fois, de manière paradoxale, l'intérieur et l'extérieur d'un bâtiment, devant lequel trônent les déchets qu'il renfermait auparavant. Cette toile s'inscrit dans une série d'œuvres qui s'intéressent aux ordures ménagères et figurent des lieux « intermédiaires » négligés, comme des ruelles et des sous-sols. Pour Kastner, l'examen archéologique de ces royaumes cachés ressemble à un voyage dans les secrets de la psyché. Selon elle, ses peintures représentent des « scènes d'invasion » illustrant les détritus de nos vies quotidiennes et nous confrontant à des images que nous tentons de dissimuler.

« Mon œuvre est axée sur les images de l'excès. Pour moi, ces images tracent un parallèle avec le sentiment d'être dépassés par le chaos de nos propres pensées... Ces peintures mettent l'accent sur le caractère sacré des choses que l'on rejette. »

Andrea Kastner a obtenu un BFA de l'Université Mount Allison, au Nouveau-Brunswick, et une MFA en peinture de l'Université de l'Alberta.

 

Andrea Kastner

Edmonton, AB
Demolition
Huile sur toile
72 po x 60 po
Janvier 2012

 
Katie Lyle

Biographie de l'artiste

L'œuvre White Night, de Katie Lyle, fait partie d'une série de portraits où des visages féminins apparaissent en gros plan. La petite taille de la toile lui confère un caractère intime et la composition du sujet, qui occupe pratiquement tout l'espace jusqu'au cadre, permet une division graphique de la surface au moyen d'accents subtils et d'une application grossière de la peinture. L'intensité de la lumière et de l'ombre rappelle la sculpture, une vidéo éclairée de façon rudimentaire ou des images à faible résolution, qui sont souvent des sources d'inspiration pour ses œuvres.

« Le personnage est le sujet constant de mon œuvre en raison de son aptitude à relier l'art, l'histoire, les archétypes, la famille et l'expérience du quotidien. Mes peintures plus récentes sont moins axées sur les archétypes culturels et davantage sur les images que je filtre chaque jour. Un regard, l'arc d'un sourcil ou le profil d'un nez sont autant d'éléments ou de formes à partir desquels je peux créer une image. »

Katie Lyle est titulaire d'un BFA de l'Université Concordia de Montréal ainsi que d'une MFA de l'Université de Victoria.

 

Katie Lyle

Vancouver, BC
White Night
Huile sur toile
16 po x 12 po
Septembre 2011

 
Vanessa Maltese

Biographie de l'artiste

Vanessa Maltese s'intéresse à l'histoire de la peinture et à sa relation avec la forme architecturale. En employant des éléments traditionnels comme les lignes, les couleurs, et les formes primaires, ainsi que des illusions d'optique et des jeux de nuances, elle crée des œuvres qui suggèrent un espace tridimensionnel sur une surface bidimensionnelle. Balaclava utilise la couleur et les motifs pour créer des effets d'optique, mais le motif de la surface est interrompu par des « fenêtres » légèrement irrégulières qui donnent une impression de trois dimensions et confèrent un aspect sculptural à l'œuvre. Le titre évoque avec finesse le fait que ces « fenêtres » interrompant la surface peuvent être interprétées comme des yeux.

« En faisant directement référence au cadre, à la fois comme contrainte physique et métaphorique, mon œuvre tente de renégocier la signification de la peinture. Elle souligne les limites des mécanismes de la peinture traditionnelle en les exploitant sous un angle contemporain. »

Vanessa Maltese est titulaire d'un BFA en dessin et peinture de l'Université de l'École d'art et de design de l'Ontario ; elle est représentée par Erin Stump Projects à Toronto.

 

Vanessa Maltese

Toronto, ON
Balaclava
Huile sur panneau
23 po x 18 po
Janvier 2012

 
Jenna Faye Powell

Biographie de l'artiste

La pratique artistique de Jenna Faye Powell emprunte des éléments à la décoration scénique, à la photo sur toile et au modélisme ferroviaire. Elle crée des décors miniatures détaillés qui l'aideront à composer ses toiles illustrant des villes fictives de son invention. Son œuvre remet en question les préjugés contre la banlieue, où elle a grandi. Le mélange de tons terreux et de couleurs vives ainsi qu'une technique mixte qui combine le glacis traditionnel à la cire froide traduisent tous deux les contradictions qu'elle aborde.

« Le symbole contemporain de la banlieue doit être revu, écrit-elle. Nous devons porter attention à l'autre monde qui est présent dans notre réalité, accéder à la magie et au surréel, afin d'illuminer davantage les possibilités cachées d'un lieu que nous avons peut-être considéré comme un espace d'abrutissement. »

Jenna Faye Powell est titulaire d'un BFA de l'Université de Western Ontario et a récemment terminé une MFA à l'Université NSCAD de Halifax.

 

Jenna Faye Powell

Sarnia, ON
The Ideology of the Sublime Wilderness II/
Acrylique et huile sur toile
54 po x 54 po
Février 2012

 
Nicolas Ranellucci

Biographie de l'artiste

La toile Si je tue un canard, je te donnerai les plus belles plumes, de Nicolas Ranellucci, est tirée d'une série d'œuvres qui examine les phénomènes occultes et leur relation avec la nature hermétique, voire cryptique, de la peinture. Ranellucci s'intéresse à la peinture en tant que rituel, un rituel où l'artiste suit certaines conventions symboliques. Cette peinture d'aspect semblable à un collage présente un décor rappelant une scène, à la fois étranger et bizarrement familier, avec des couleurs vives et théâtrales qui se découpent nettement sur un arrière-plan sombre. Le personnage déguisé représente possiblement l'artiste comme un illusionniste, un alchimiste ou un magicien.

Nicolas Ranellucci est titulaire d'un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l'Université du Québec à Montréal, où il a reçu une bourse d'excellence en peinture de la Fondation McAbbie. Il vit et travaille à Montréal, et il est représenté par la Galerie Dominique Bouffard.

 

Nicolas Ranellucci

Montréal, QC
Si je tue un canard, je te donnerai les plus belles plumes.
Acrylique sur toile
60 po x 60 po
Janvier 2012

 
Corri-Lynn Tetz

Biographie de l'artiste

« La motivation derrière la série Housefire relève de ma fascination pour les images publiées sur Internet et de mon désir de créer une métaphore visuelle illustrant l'effondrement généralisé de la classe moyenne, écrit Tetz à propos de sa peinture. Mon œuvre varie de la figuration imaginaire à une version peinte du photoréalisme. »

Dans Housefire 3, la forme du panneau vise à évoquer le pittoresque, alors que le nuage violet autour du feu est un clin d'œil à l'origine numérique de l'image source. Une tension s'établit entre la banalité de l'image tirée du Web et la préciosité suggérée par le format choisi. Tetz explore ici l'esthétisation d'une catastrophe à l'échelle réduite, où l'incendie déchaîné semble ouvrir un vide au cœur du tableau miniature finement détaillé.

Corri-Lynn Tetz est titulaire d'un BFA de la Emily Carr University of Arts and Design de Vancouver et étudie actuellement pour l'obtention d'un diplôme de MFA à l'Université Concordia de Montréal.

 

Corri-Lynn Tetz

Montréal, QC
Housefire 3
Huile sur panneau
16 po x 26 po
Décembre 2011

 
Julie Trudel

Biographie de l'artiste

Julie Trudel fait remarquer qu'en peinture abstraite, la couleur est souvent traitée de façon isolée, séparée de la matérialité. Son exploration complexe des couleurs est à la fois optique et matérielle. En limitant sa palette aux couleurs du procédé d'impression cyan, magenta, jaune et noir (mieux connu sous le nom CMJN) et en utilisant des encres pour sérigraphie industrielles fortement diluées, elle applique sa peinture au goutte à goutte selon un motif de spirale concentrique. Les compositions qui en résultent mettent autant l'accent sur la surface que sur la profondeur.

« Bien que mon protocole de travail soit précisément défini, il laisse la place au hasard, affirme-t-elle. En travaillant ainsi, je souhaite toucher à la complexité perceptive générée par la peinture, qui nous attire par l'effet visuel qui s'en dégage, par sa qualité en tant qu'objet et par son processus de production à la fois évident et déroutant. »

Julie Trudel vit et travaille à Montréal, où elle a récemment obtenu une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l'Université du Québec à Montréal.

 

Julie Trudel

Montréal, QC
Ellipses en transit MCY et CMY, du projet CMYK
Acrylique et encre sérigraphique sur contreplaqué
64 po x 29 po
Avril 2012

 
Rebecca Brewer

Biographie de l'artiste

Rebecca Brewer s'intéresse à la représentation statique du personnage, mais libérée des codes de l'art du portrait. Beuys painting a comme sujet « Joseph Beuys, personnage souvent rendu mythique, ici représenté simplement par un chapeau, le feutre et la graisse écrasés et segmentés, ses vieux pots et ses teintes neutres combinés aux bouteilles cubistes de Braque et Morandi. » Bien qu'elle utilise des signes picturaux très différents dans son œuvre, elle les aborde comme un continuum esthétique plutôt que comme des mythologies qui s'opposent. Récemment, elle a utilisé une version poussée à l'extrême de la technique d'application de peinture « mouillé sur mouillé », où des textures incisées découpent littéralement les surfaces planes. « Le fait que le criticisme et la figuration soient perçus comme des éléments discordants depuis 30 ans en peinture est justement ce qui me pousse à explorer ces éléments », affirme-t-elle.

Rebecca Brewer est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts (BFA) de la Emily Carr Institute of Art and Design et est actuellement candidate à la maîtrise en beaux-arts (MFA) au Bard College de New York.

 

Rebecca Brewer

Lauréat national

Beuys painting
Huile sur toile
42 po x 47 po

 
Beth Stuart

Biographie de l'artiste

Les toiles de Beth Stuart se tiennent en équilibre précaire entre la représentation et l'abstraction. Ses motifs et ses compositions sont le résultat de recherches dans les domaines de la peinture, de la sculpture et de la critique d'art féministes de la première époque ainsi que de la philosophie surréaliste, et sont influencés par son œuvre figurative antérieure et sa formation en art du textile. « Ces diverses recherches m'ont permis de créer un vocabulaire visuel qui exprime ce que représente vivre dans un corps, y compris la maladresse, l'imperfection, les rencontres déroutantes, l'hilarité et la difficulté que cela comporte. Plutôt que de représenter de manière symbolique ou mimétique des corps dans l'espace, ces œuvres dépeignent des sensations, des personnalités et des traits particuliers. » La peinture 02 tirée de la série Doppelbanger, qui évoque la peinture surréaliste, est ambiguë à la fois dans les formes qu'elle illustre et dans sa forme en tant qu'objet, ni complètement rectangulaire, ni complètement plane.

Beth Stuart a obtenu un BFA de l'Université Concordia, a été artiste en résidence au Banff Centre for the Arts et est titulaire d'une MFA de l'Université de Guelph.

 

Beth Stuart

Mention honorable

02, from Doppelbanger series
Huile et acrylique sur lin sur panneau
40 po x 40 po

 
Deirdre McAdams

Biographie de l'artiste

Les fondus chromatiques, les formes graphiques simples et la répétition de motifs que l'on trouve dans l'œuvre de Deirdre McAdams font référence à des aspects fondamentaux de l'art numérique, mais la présence du geste dans la construction des toiles exprime la loyauté de l'artiste envers les qualités physiques et les possibilités propres à la peinture. Elle s'intéresse à la tension visuelle qui émane des dualités ou des oppositions au sein d'une composition, qu'il s'agisse de contours nets opposés à des marques laissant paraître le geste, de motifs désalignés, de couleurs et de formes répétées et inversées, ou encore de formes uniques composées de plusieurs formes plus petites. La peinture au pistolet lui permet de souligner le geste ou de l'annihiler. « Mes œuvres évoquent l'art numérique, mais leur apparence reflète résolument le travail fait à la main. Je m'intéresse à l'abstraction abordée à l'aide d'un vocabulaire influencé par les procédés numériques, mais je demeure fidèle à l'expérimentation avec des matériaux et des procédés propres à la peinture. »

Deirdre McAdams a obtenu un diplôme en beaux-arts du Victoria College of Art et un BFA de la Emily Carr Institute of Art and Design.

 

Deirdre McAdams

Mention honorable

Blotto
Peinture au pistolet sur toile
48 po x 42 po

 
Alexis Lavoie

Biographie de l'artiste

L'isolement, la violence, l'enfance, la maladie, la quête du bonheur, le manque de naturel et la solitude sont des thèmes récurrents dans l'œuvre d'Alexis Lavoie ; toutefois, l'artiste les aborde souvent de manière indirecte. Bien que ses toiles laissent un vague sentiment de perte ou de rupture, elles évoquent une ambiance, plutôt qu'un événement concret. Elles illustrent plutôt des scènes qui laissent une trace ou une impression liée à un événement passé en apparence traumatisant. Restants, par exemple, semble illustrer, dans un espace ambigu, les suites d'un événement traumatique ayant eu lieu sur un terrain de jeux. L'artiste s'intéresse à cette zone d'incertitude et cherche, par la peinture, à atteindre une compréhension intuitive et essentielle de son environnement. Il affirme être fasciné par l'instabilité de la peinture comme médium, une instabilité matérielle qui peut produire des résultats étonnants, et qui peut influer sur le sujet traité en y insufflant des éléments nouveaux et imprévus.

Alexis Lavoie a étudié les arts visuels au cégep de Saint-Laurent à Montréal et est titulaire d'un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l'UQAM.

 

Alexis Lavoie

Lauréat national

Restants
Huile sur toile
66 po x 72 po

 
Jon Reed

Biographie de l'artiste

Les tableaux de Jon Reed, qui possède une formation d'architecte, expriment une volonté de précision dans le travail. De dessins de fond méticuleux et de nombreuses minces couches de peinture résultent des images d'un espace ou d'un objet rendu avec précision. Il écrit, au sujet de sa peinture : « J'ai examiné la question de la manifestation personnelle de l'identité masculine au moyen de l'érection de monuments et de la création d'espaces. Je m'intéresse à la période architecturale qui a suivi la fin de la vision utopiste moderniste, pendant laquelle des artistes comme Robert Venturi, Phillip Johnson et Paul Rudolph ont trouvé nécessaire d'affirmer leur propre vision architecturale et esthétique par le traitement discursif de tropes modernistes. Mes représentations sélectives et idéalisées de leur héritage architectural visent à illustrer et à remettre en question les expressions personnelles de la masculinité, du contrôle créatif, de la paternité et de l'orientation. »

Jon Reed est titulaire d'une maîtrise en architecture de la John H. Daniels Faculty of Architecture, Landscape and Design de l'Université de Toronto, ainsi que d'un baccalauréat spécialisé du Victoria College de l'Université de Toronto.

 

Jon Reed

Mention honorable

Stato di Impotenza
Acrylique sur toile
36 po x 48 po

 
Mark Stebbins

Biographie de l'artiste

L'œuvre de Mark Stebbins est née d'un intérêt à la fois pour la pratique des métiers traditionnels du textile et pour les médias électroniques d'aujourd'hui. Il porte un intérêt particulier à la transformation de l'information lorsqu'elle passe d'un médium à un autre, ainsi qu'à l'instabilité inhérente de l'information enregistrée. Privilégiant une méthode de construction physique et axée sur le travail plutôt qu'un processus rigide et informatisé, l'artiste, par ses images, illustre les concepts d'accumulation et de dégradation des données. Des formes fragmentées et aux motifs élaborés, s'apparentant à des disques, peuplent sa toile, et des images issues de divers médias — textiles faits main, matrices de pixels et coups de pinceau — interagissent et se modifient librement. « Dans chaque œuvre, j'essaie de créer une impression visuelle de surabondance d'information, une expérience similaire à celle que nous vivons tous au quotidien, dans un monde riche en données. »

Mark Stebbins a obtenu un baccalauréat en beaux-arts avec distinction de l'Université de Western Ontario ; il est également titulaire d'un baccalauréat en droit de la Schulich School of Law de l’Université Dalhousie, à Halifax.

 

Mark Stebbins

Mention honorable

Data Centers
Acrylique sur panneau de bois
16 po x 16 po

 
Brenda Draney

Biographie de l'artiste

Brenda Draney s'intéresse à la façon dont la mémoire, qui est individuelle par nature, fonctionne au sein des familles, des collectivités et des cultures. Bien que ses peintures trouvent leur source dans ses propres souvenirs, elle se préoccupe moins de consigner un souvenir que du processus de la mémoire et de pousser sa main à se souvenir également. Elle perçoit son œuvre comme un geste vers une chose, une personne ou un événement rappelé à sa mémoire et espère que l'observateur sera prêt à travailler pour relier les images et créer une histoire autour des moments, des éléments présents et des omissions. Pour elle, l'espace est important sur la toile, qu'il représente ce qui est oublié, gardé secret ou rempli par l'observateur. « Le récit est fondé sur ce qui manque, et cette absence cruciale est présente dans mon œuvre. »

Brenda  Draney est titulaire d'un baccalauréat en littérature anglaise et d'un BFA de l'Université de l'Alberta, ainsi que d'une maîtrise en arts appliqués de la Emily Carr University of Art and Design.

 

Brenda Draney

Lauréat national

Aim is Important
Huile sur toile
48 po x 52 po

 
Martin Golland

Biographie de l'artiste

Les peintures de Martin Golland évoquent la sensation, la découverte et la désorientation, au moyen d'espaces architecturaux qui semblent improvisés, négligés ou assemblés grossièrement. Exemptes de tout personnage, ses scènes suggèrent néanmoins les traces d'une activité rituelle, cachée, dans ce qui apparaît comme des lieux transitoires. L'artiste explique que son intention est de marquer une série de glissements entre l'imaginaire et le réel. « Par l'utilisation de diverses stratégies picturales qui s'opposent et se déstabilisent mutuellement, les zones transitoires existantes font office de métaphore pour le phénomène fracturé de la perception, écrit-il. Les changements disjonctifs présents dans l'espace incitent l'esprit à vaciller entre rêverie et terreur. »

Martin Golland est titulaire d'un BFA de l'Université Concordia de Montréal et d'une MFA de l'Université de Guelph. Il a exposé ses œuvres partout au Canada et en Europe, et il enseigne actuellement la peinture à l'Université d'Ottawa.

 

Martin Golland

Mention honorable

Residential Night Vulture
Oil on canvas
60" x 50"

 
Sasha Pierce

Biographie de l'artiste

Les toiles méticuleusement construites de Sasha Pierce présentent des textures qui ressemblent à s'y méprendre à des tissus. Explorant la couleur, la composition et la texture pour évoquer l'aspect tactile des textiles, ses huiles sur toile rappellent le tricot fait à la main. Le caractère intrinsèquement physique et la fluidité du matériel qu'elle utilise permettent la juxtaposition rapprochée de minces canaux de peinture qui évoquent des fils de laine ; son œuvre abstraite suggère ainsi une représentation, presque un trompe-l'œil. Et bien que ses compositions soignées inscrivent son œuvre dans la tradition de l'art abstrait du XXe siècle, ses toiles peuvent également être vues comme un clin d'œil habile à la prolifération de la couture, de la broderie et du tricot dans l'art contemporain des dernières années.

Sasha Pierce est titulaire d'un baccalauréat ès arts de l'Université de Guelph et d'une maîtrise en beaux-arts de l'Université de Waterloo ; elle vit et travaille actuellement à Toronto.

 

Sasha Pierce

Mention honorable

Brown
Huile sur toile
24 po x 20 po

 
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